ЭНЦИКЛОПЕДИЯ ХУДОЖНИКОВ от tapenik - К-Л-М-Н

Александр Кабанель (Alexandre Cabanel) – известный французский живописец 19 века, один из ярчайших представителей академизма.

1823 сентябрь - Кабанель родился в небольшом университетском городке Монпелье (Юг Франции). Вскоре семья переехала в Париж.

1840 - поступление в Школу изящных искусств (мастерская Франсуа Пико).

1852 - возвращение в Париж. году художник вернулся в Париж и представил в Салон свою картину «Смерть Моисея» — картина принесла автору первый приз и стала своеобразным пропуском в мир большого искусства Второй империи. Очень скоро Александр Кабанель начал поставлять ко двору Луи Наполеона Бонапарта «живописную приправу» к дворцовой роскоши и придворному блеску. Художник в тот период написал огромное количество обнажённых и полуобнажённых богинь, эпических героинь, цариц и литературных персонажей из прошлого: Клеопатра, Юдифь, Руфь, Ева и т.д.

1855 - медаль на Всемирной выставке

1863 - выставленную в Салоне картину «Рождение Венеры» приобрёл император Наполеон III для своей коллекции. Александр Кабанель был награждён Орденом Почётного легиона, избран членом Академии.

1864 году художник произведён в офицеры.

1873 - Кабанель стал командором ордена. Всю свою жизнь живописец был востребован и успешен

1889 январь - скончался в Париже

Караваджо (Caravaggio) Микеланджело да (настоящее имя Микеланджело Меризи) (28 сентября 1573, Караваджо — 18 июля 1610, Порто д'Эрколе, Тоскана), итальянский художник, реформатор европейской живописи 17 в., один из крупнейших мастеров барокко Имя Караваджо происходит от названия городка в Северной Италии, в котором художник родился 28 сентября 1573. С одиннадцати лет он работал подмастерьем одного из миланских живописцев, а в 1590 переехал в Рим, который к концу 16 в. стал художественным центром не только Италии, но и всей Европы. Именно здесь Караваджо достиг самых значительных успехов и славы. Биографы Караваджо пишут, что он относился с презрением к великим мастерам прошлого и даже к античному искусству. Рассказывают историю о том, как художник привел с улицы цыганку, написал с нее гадалку, предсказывающую судьбу молодому человеку, и заявил, что натура – единственная наставница, в которой он нуждается.

Ангелика Кауфман — знаменитая немецкая художница и график, представитель классицизма, член Академии Св. Луки в Риме (1765 г.), Французской Королевской академии (1768 г.), Английской академии художеств (1768 г.), Венецианской академии. Ангелика родилась в 1741г. в маленьком швейцарском городке Кур (Хур). Спустя год ее отец, небогатый немецкий художник Иоганн Иосиф Кауфман с женой и крошечной дочкой перебрался в Италию, где, переезжая из города в гoрод, расписывал небольшие церкви и делал заказные портреты. Ангелику Бог одарил красотой, умом, прекрасным голосом, добрым нравом и огромным живописным талантом. Многие годы она сомневалась какому из талантов отдать предпочтение.Уже став известной художницей, Ангелика в свих картинах показывает, как притягивает её пение и музыка. Но отец быстро оценил способности дочери и, хотя сам был слабым художником, сделал выбор за неё, и стал для нее первым и единственным учителем. С шести лет Ангелика училась и работала с нагрузкой и упорством взрослого мужчины, в девять — пробовала писать маслом, а в одиннадцать — исполнила в технике пастели первый заказной портрет епископа Наврони. И часто у ворот богатых особняков можно было увидеть хорошенькую девочку с папкой рисунков, которые она продавала, чтобы помочь деньгами семье. В 1754г. Кауфманы переехали в Милан, и вскоре дворцовая знать выстроилась в очередь, чтобы заказать у юной художницы свои портреты. Ангелика, тонко чувствовавшая веяния галантного века, изображала на своих картинах кукольных красавиц в виде пастушек на лоне природы или в уютных золотых будуарах. Кауфман умерла 5 ноября 1807 г. в Риме. Вся Академия Св. Луки проводила ее в последний путь, а за гробом, как на похоронах Рафаэля, несли две последние картины, написанные ее рукой. В Римском пантеоне впоследствии был установлен бюст Ангелики Кауфман — красивой женщины и талантливой художницы.

КИПРЕНСКИЙ, ОРЕСТ АДАМОВИЧ (1782–1836), русский художник. Родился на мызе Нежинской (близ Копорья, ныне в Ленинградской области) 13 (24) марта 1782. Был побочным сыном помещика А.С.Дьяконова, записанным в семью его крепостного Адама Швальбе. Получив вольную, учился в петербургской Академии художеств (1788–1803) у Г.И.Угрюмова и др. Жил в Москве (1809), Твери (1811), Петербурге (с 1812), а в 1816–1822 и с 1828 – в Риме и Неаполе.

Джон Синглтон Копли (Copley, John Singleton) (1738-1815), американский художник, представитель классицизма, мастер портретной и исторической живописи советами своего отчима, портретиста и гравера П. Пелэма, но в основном учился самостоятельно, совершенствуясь в мастерстве путем копирования гравюр с произведений Г. Кнеллера, Дж. Рейнольдса и других мастеров. Писал (иногда пользуясь техникой пастели) привлекающие своей искренностью и свежестью наблюдения реалистические портреты («Поль Ревир»). Вводя в композицию элементы натюрморта, Копли изображал своих персонажей в окружении различных предметов; это придавало портрету необычайную живость и остроту. К середине 1760-х гг. Копли был самым востребованным портретистом Новой Англии. Тем не менее художник желал знать, насколько его искусство отвечает нетривиальным европейским стандартам. В 1766 г. он посылает в Лондон на выставку картину («Генри Пелэм (Мальчик с белкой)», исполненную специально для этого случая, и получает самые лестные отзывы, в том числе от Дж. Рейнолдса, заявившего, что Копли мог бы стать мастером мировой величины. Однако, оговаривался Рейнолдс, для этого ему необходимо получить соответствующее художественное образование, за рубежом. Копли с энтузиазмом воспринял совет английского коллеги, однако прошло восемь лет, прежде чем он решился покинуть Бостон. В 1774 г., в условиях нарастающей политической нестабильности художник уезжает из родного города. В течение года он путешествует по Европе, изучая живопись Возрождения и барокко, а также классическую скульптуру. В следующем году к нему присоединяются жена и дети, и Копли обосновываются в Англии. В Лондоне Копли близко сошелся с живописцем Б. Уэстом, своим соотечественником, осевшим в Лондоне одиннадцатью годами ранее и к тому времени снискавшим расположение двора и признание публики. Отчасти под влиянием Уэста наряду с портретной живописью Копли обращается к историческому жанру. В своей первой значительной работе этого рода («Брук Уотсон и акула») художник разрабатывает тему, которая впоследствии станет отличительной чертой романтизма XIX столетия, а именно: тему борьбы человека с разрушительными силами природы. В 1799 г. Копли становится членом Королевской академии художеств. Картины Копли английского периода приобрели ярко выраженный оттенок академичности и в целом потеряли ту живость и всепроникающий реализм, которые характерны для бостонских произведений художника. В последние годы жизни здоровье Копли резко ухудшилось, тем не менее он продолжал работать до последних месяцев жизни. Умер в Лондоне в 1815 г.

Витторио Маттео Коркос (итал. Vittorio Matteo Corcos; 4 октября 1859, Ливорно — 8 ноября 1933, Флоренция) — итальянский художник-портретист. Еще в юном возрасте был послан своей семьей во Флоренцию, где учился в «Академии изящных искусств» в классе Энрико Полластрини. В девятнадцать лет Витторио жил и работал в Неаполе в студии Доменико Морелли. Работы Морелли производили большое впечатление и восхищали юного художника, повлияв на дальнейшее творчество Коркоса. В это время он пишет картины, вошедшие в «арабскую серию» (The Praying Arab). В 1880 году Витторио Коркос переехал в Париж, подписав с художественной галереей Гупил (Goupil) контракт на две недели. Здесь он познакомился и подружился с уже известными мастерами Джованни Болдини, Джузеппе де Ниттис и Винсентом ван Гогом. Так же он часто посещал знаменитую мастерскую Леона Бонна, успешного и популярного художника у богатых парижанВ Париже Витторио Коркос избрал модную по тем временам тему — женский портрет и жанровые сцены из жизни горожан. Современные интерьеры в его картинах окрашены в яркие сочные тона в стиле Болдини и де Ниттис. Он часто выставляется в Салоне(1881-1886гг) и постепенно приобретает известность. В 1886 году Витторио Коркос вернулся во Флоренцию и принял участие в выставке в Ливорно, где были предоставлены работы других региональных школ. В следующем году художник перешел в католицизм, чтобы жениться на Эмме Чабатти (Emma Ciabatti), которая ввела его в высший круг общества, познакомив с Кардуччи и Д’Аннунцио. В аристократических кругах картины Коркоса, особенно портреты, очень понравились и заказы на них пользовались большим спросом. В Германии в 1904 году Витторио Коркос написал портреты императрицы, Вильгельма II и многих влиятельных персон, чем приобрел высокую популярность. В 1913 году его автопортрет присоединился к коллекции Уффицы. Умер Витторио Коркос во Флоренции 8 ноября 1933 года. Картины его отличаются живостью и реалистичностью, и отмечены современниками не только за красивые одежды, но и за чувственное раскрытие образа на портрете. Тонко подобранное сочетание красок, придают работам мастера одновременно воздушности и правдивости, подтверждая истинный талант художника.

Крамской Иван Николаевич (1837–1887), русский художник жанровой, исторической и портретной живописи. Родился в Острогожске, в небогатой мещанской семье, первоначальное обучение получил в уездном училище. Рисованием Крамской занимался с детства самоучкой, а потом, при помощи советов одного любителя рисования, стал работать акварелью.

В шестнадцатилетнем возрасте поступил в ретушеры к одному харьковскому фотографу. Перебравшись в 1856 году в Петербург, Иван Крамской продолжал заниматься тем же у лучших столичных фотографов. На следующий год решился поступить в Академию художеств, где вскоре оказал быстрые успехи в рисовании и живописи. Будучи учеником профессора А. Т. Маркова, Крамской получил малую серебряную за картину «Умирающий Ленский» (1860), большую серебряную медаль за этюд с натуры (1861) и малую золотую медаль, написанную по программе картину: «Моисей источает воду из камня». Будучи противником академического искусства, стал одним из инициаторов «бунта четырнадцати», закончившегося уходом из Академии и созданием Артели художников (1863). В 1870 году он стал руководителем и идейным наставником Товарищества передвижных выставок, сообщества художников-единомышленников, которое предполагало самостоятельно определять развитие художественной культуры в стране.

Лукас Кранах Старший (Lucas Cranach Elder) (1472-1553), немецкий живописец и график эпохи Возрождения. Учился, вероятно, у отца; в 1509 посетил Нидерланды. Работал в Австрии (около 1500-1504), в Виттенберге при дворе курфюрста Саксонского Фридриха Мудрого и его преемников (1505-1550), в Аугсбурге (1550-1552) и Веймаре (1552-1553).

В ранних произведениях Кранах выступал как смелый новатор: дерзкая правдивость образов, резкая асимметрия композиции, напряженное и экспрессивное цветовое решение как бы предвосхищают грядущие общественные потрясения в Германии (“Распятие”, 1503, Старая пинакотека, Мюнхен).

Кур Жозеф Дезире (Joseph Desire Court) (1797-1865), известный французский портретист и живописец исторического жанра, директор музея искусств в Руане. Жозеф-Дезире корт (14 сентября 1797 – 23 января 1865) - французский живописец исторических сюжетов и портретов . Жозеф родился в Руане . Он стал учеником в Школе изящных искусств при ГРО, и после завершения основных отличий там продолжил свои исследования еще дальше в Риме. На него возлагались большие надежды, когда в 1827 году он выставил "Смерть Цезаря" - произведение, выражающее серьезную мысль и добросовестное отношение к фактам истории. Это сейчас хранится в Лувре. Проявив себя в этом и других произведениях энергичным живописцем, способным мастерски схватить предмет, а также проявив себя в области портретной живописи художником без общих заслуг, он в конце концов растратил свои таланты на создание серии пустых официальных картин, написанных по заказу Луи-Филиппа . Он умер в Париже в 1865 году.

Купер Франк Кадоган Frank Cadogan Cowper (1877– 1958), английский художник, последний из представителей Братства прерафаэлитов. Он изучал искусство с 1896 года в школе Wood Art St John's , а затем отправился в Школу Королевской Академи, где провел с 1897 г. по 1902 г. Его работы впервые были выставлены в Королевской Академии в 1899 году, через два года к нему пришел успех, и его пригласили в Париж. В 1902 году он провел шесть месяцев, проходя обучение в Edwin Austin Abbey, а затем отправился в поездку по Италии. Он работал акварелью и маслом, а также известны его иллюстрации. Он внес свой вклад в роспись Палат Парламента в 1910 году вместе с другими известными художниками. Время шло, и взгляд на искусство претерпел изменения, Каупер все чаще выставлял свои работы в жанре портрет, но продолжал иллюстрировать исторические и литературные произведения.

Русский художник. Родился в Астрахани 23 февраля (7 марта) 1878 в семье преподавателя духовной семинарии. Учился в петербургской Академии художеств (1896–1903), где его наставником был И.Е.Репин. Член объединений "Мир искусства" и "Союз русских художников". Репин привлек молодого художника к соавторству в картине "Заседание Государственного Совета" (1901–1903, ГРМ). Уже в эти годы проявился виртуозный талант Кустодиева-портретиста («Портрет И.Я.Билибина», 1901). Позднее (с 1908) увлеченно работал также в жанре скульптурного портрета. В годы Первой русской революции 1905–1907 выступал как карикатурист в журналах "Жупел" и "Адская почта". Жил в Петербурге и Москве, часто наезжая в живописные уголки русской провинции, прежде всего в города и села Верхней Волги, где рождались его знаменитые образы традиционного быта (серии "ярмарок", "маслениц", "деревенских праздников") и красочные народные типажи ("купчихи", "купцы", красавицы в бане – "русские венеры"). Первая картина такого рода ("Ярмарка", 1906, ГТГ) написана по заказу Экспедиции государственных бумаг для неосуществленной серии массовых лубков. Эти серии и близкие им полотна ("Портрет Ф.И.Шаляпина", 1922, ГРМ) подобны красочным снам о старой России. Революцию Кустодиев тоже воспринял карнавально, в духе яркого народного лубка ("Большевик", 1920, ГТГ). Хотя в 1916 паралич приковал художника к инвалидному креслу, он продолжал активно работать в разных видах искусства, продолжая свои популярные "волжские" серии. После революции создал лучшие свои вещи в сфере книжной иллюстрации ("Леди Макбет Мценского уезда" Н.С.Лескова; "Русь" Е.И.Замятина; обе работы – 1923; и др.) и сценографии ("Блоха" Замятина во 2-м МХАТе, 1925; и др.). Умер Кустодиев в Ленинграде 26 мая 1927.

Лансере Евгений Евгеньевич (1875—1946) — российский и советский художник. Академик Императорской Академии художеств. Народный художник РСФСР (1945). Заслуженный деятель искусств Грузинской ССР (1933). Лауреат Сталинской премии второй степени (1943).

Евгений Лансере родился 23 августа (4 сентября) 1875 г. в Павловске.
Отец - известный скульптор Евгений Александрович Лансере. Его дед по матери, Н. Бенуа - был академиком архитектуры. Архитектором был его дядя, Л.Бенуа, другой дядя, младший из братьев матери, А. Бенуа, также являлся известным русским художником и критиком искусства.
Детство Лансере прошло на Украине, в небольшом имении отца Нескучное, где родилась его младшая сестра, впоследствии также известная художница — Зинаида Серебрякова.
После смерти Е.А. Лансере мать вместе с детьми переехала в Петербург, в дом отца — известный в художественных кругах «Дом Бенуа у Николы Морского».
Художественные способности у Лансере проявились рано, поэтому в выборе профессии сомнений не было.

1892 г. - оставил гимназию и поступил в школу «Общества поощрения художеств», где провел около четырех лет (1892-1895); в те же годы он стал постоянным участником кружка, из которого впоследствии возник «Мир искусства».

1895 - 1898 - обучение в Париже (под влиянием А. Бенуа и его друзей Евгений Лансере отказался от поступления в Академию художеств)

Лансере прославился как книжный график.

Левицкий, Дмитрий Григорьевич (1735-1822), русский художник. Родился, скорее всего, в Киеве в мае 1735 в семье Г.К.Носа (изменившего фамилию на «Левицкий»), священника села Маячка (ныне Полтавская область, Украина), а также видного гравера украинского барокко (среди его известных работ — иллюстрации к Апостолу и Евангелию, обе работы — 1737; и гравированные портреты). Отец был и первым учителем Дмитрия. Познакомившись с А.П.Антроповым (когда тот работал над росписями Андреевского собора, 1752-1755), молодой Левицкий учился у него в Киеве и Петербурге, приехав туда ок. 1758. Под руководством Андропова расписывал Триумфальные ворота, возведенные в Москве по случаю коронации Екатерины II (1762). Первая достоверная его работа — портрет архитектора А.Ф.Кокоринова, за который Левицкий получил звание академика (1769, Русский музей, Петербург); принципы классицистического портрета — с плодами трудов (в данном случае — чертежом здания Академии художеств), на которые гордо указывает герой композиции, — воплощены здесь с уверенным мастерством. Та же образная драматургия характерна для портретов А.М.Голицына (1772) и П.А.Демидова (1773; оба портрета в Третьяковской галерее); последний выделяется не только домашней непринужденностью (Демидов представлен за поливкой цветов, аллегорически знаменующей любовь к просвещению), но и творческой зрелостью колоризма — с излюбленной Левицким гаммой серебристых и красноватых тонов. Лучшими работами мастера закономерно считаются портреты «смолянок», воспитанниц Смольного института: Ф.С.Ржевской и Н.М.Давыдовой, Е.И.Нелидовой, Е.Н.Хрущовой и Е.Н.Хованской, А.П.Левшиной, Н.С.Борщовой, Е.И.Молчановой, Г.И.Алимовой (1772-1776, все — в Русском музее). Классицистическая риторика «говорящих» поз, жестов, атрибутов сочетается с чувствительностью рококо, с зыбкой стихией душевной жизни. Эффект картинного спектакля (смолянки непринужденно общаются друг с другом, музицируют и танцуют) обеспечен и изысканной гармонией тонких живописных контрастов. В наследии Левицкого особо выделяются также камерные, погрудные портреты Д.Дидро (1773-1774, Музей искусства и истории, Женева), М.А.Дьяковой (1778), У.Мнишек (1782, оба портрета в Третьяковской галерее), а также величественный портрет Екатерины II-законодательницы в храме богини Правосудия (1783, Русский музей — и другие варианты), вдохновивший Г.Р.Державина (ода Видение мурзы, 1783-1784). Портрет Н.И.Новикова, который как бы обращается к зрителю с философской проповедью (1797, Третьяковская галерея), связан, возможно, с масонскими убеждениями художника (к концу 1790-х годов он стал членом ложи «Умирающий сфинкс»). В 1771-1787 Левицкий руководил портретным классом Академии художеств. Спад мастерства в его позднем творчестве объясняется прогрессирующей слепотой. Умер Левицкий в Петербурге 4 (16) апреля 1822.

Джордж Данлоп Лесли (1835 – 1921) — английский жанровый художник, писатель и иллюстратор.

Лесли родился в Лондоне, в семье известного художника-жанриста Чарльза Роберта Лесли. Его дядя Роберт Лесли был художником-маринистом. Данлоп учился сначала в Академии Художеств Кэрри, а в 1854 году поступил в Королевскую Академию. Его первая выставка в Академии прошла в 1859, и в дальнейшем он выставлялся там ежегодно. После окончания Академии Лесли жил на улице Джонс Вуд (Лондон) и был частью «Общества улицы Джонс Вуд», группы художников, которые в творчестве отдавали предпочтение беззаботным сюжетам. Его старшая сестра Мэри Лесли (1833–1907), тоже художник, жила по соседству. Ранние работы Лесли, например, «Матильда» созданы под сильным влиянием прерафаэлитов, но в дальнейшем он переходит к более академическому и эстетическому стилю живописи с целью показать "сцены из радужной стороны жизни английской семьи".

Художник часто использовал детей в качестве персонажей своих картин. Одна из таких работ использовалась в рекламной компании мыла. Несмотря на обыденность работ Лесли, его картины высоко ценились критиками того времени.

Живописец также был автором нескольких изданных книг: «Наша река», «Письма Марко» и «Письма Риверсайда», которые он самостоятельно проиллюстрировал. Художник был женат на Лидии Лесли. У них была дочь Элис и сын Питер (1877–1953), который также был художником. (Информация отсюда - http://8-poster.ru/authors/Danlop_Lesli/)

фр. Jean-Etienne Liotard, 1702, Женева — 1779, там же) — швейцарский художник. Молодой Лиотар усердно занимался рисованием, миниатюрной и эмалевой живописью. В 1725 г. Лиотар прибыл в Париж, чтобы усовершенствоваться в искусстве, и нашёл себе покровителя в лице Пюизье, который, будучи назначен посланником в Неаполь, взял его туда с собой. В 1736 г. Лиотар переехал в Рим, где нарисовал множество портретов пастелью, в том числе портреты Папы Клемента XII и нескольких кардиналов, через что положил основание своей известности. Наклонность к приключениям увлекла его на Восток. В Константинополе он усвоил местные обычаи, оделся турком, что в то время представлялось большой эксцентричностью, и в этом виде явился в Вену, где император Франциск I принял его очень милостиво. Он получил множество заказов и исполнил портреты Марии Терезии (гравированный 1744 г. Рейнспергером), многих членов императорского дома и представителей австрийской знати. Здесь же он исполнил пастелью портрет красавицы Анны Бальдауф (Anna Baltauf), всемирно известный под названием «Шоколадница» и несчетное число раз копированный и гравированный (находится в Дрезденской галерее). Скорее всего, Анна была служанкой при дворе австрийской императрицы Марии Терезии, где живописец и заметил девушку. Анна, дочь обедневшего рыцаря, служила горничной при дворе. Говорят, именно там ее красоту заметил молодой принц Дитрихштейн. Он влюбился и – к ужасу аристократии – женился на ней. В качестве свадебного подарка Принц Дитрихштейн заказал Жану Этьену Лиотару, работавшему при венском дворе в то время, портрет своей невесты в той самой одежде, в которой он впервые ее увидел. Говорят, в день свадьбы невеста пригласила знакомых шоколадниц и, будучи счастлива своим возвышением, подала им свою руку со словами: "Вот! Теперь я стала принцессой, и вы можете поцеловать мою руку." Эта картина примечательна также тем, что на ней впервые был изображен первый фарфор Европы – Meissen. Мейсен Всю жизнь художник провел в путешествиях, подолгу не задерживаясь на одном месте. Он жил в Париже, Риме, Вене и Лондоне, много раз посещал Нидерланды, с 1738 по 1742 гг. провел в Константинополе, после чего отпустил длинную бороду, стал носить турецкую одежду и получил прозвище "le peintre turc" (турецкий художник). Восточный костюм так нравился Лиотару, что в 1744 г. он изобразил самого себя в этом наряде на двух портретах — одном, написанном для флорентийского собрания портретов художников, и другом, находящемся в дрезденской галерее. Из Вены Лиотар прибыл в Париж в то время, когда пастельный род живописи пользовался там особым почетом, а законодательницей мод была маркиза Помпадур. Она пожелала иметь свой портрет работы Лиотара и доставила ему титул королевского живописца и члена академии. Этого было достаточно, чтобы сделать Лиотара модным портретистом красавиц, блиставших в то время при французском дворе. На парижских выставках 1751-53 гг. работы Лиотара являлись во множестве; но это было для них пагубно, так как здесь рядом с ними выставлялись мастерские пастельные портреты Латура, с которыми сравнение было слишком невыгодно для Лиотара. После четырёхлетнего пребывания в Париже Лиотар отправился в Англию, а оттуда в Голландию. Необычайно и многогранно одаренный, "мастер пастели" как его называли современники, он писал пейзажи, карандашные зарисовки во время путешествий, гравюры, портреты и автопортреты, по которым многим запомнилась эксцентричная внешность художника. В последний период жизни художник писал восхитительные натюрморты, поражающие изысканным колоритом и совершенством линий. Конец своей жизни он провёл в Женеве. Кроме множества портретов, из которых многие были гравированы, им исполнено несколько картин.

Наверное, с большой натяжкой Эрнеста Карловича Липгарта можно считать российским художником. Родился будущий живописец и рисовальщик в прибалтийском российском городе Дерпте, учился в Италии: во Флоренции и Венеции, длительное время жил в Париже, где, сотрудничая со многими художественными изданиями, стал известен как отличный рисовальщик. В то же время Э.К. Липгарт постоянно участвует в выставках русских художников, живущих в Париже. С 1887 года живописец активно участвует в академических выставках в Петербурге и начинает преподавать в Рисовальной школе Общества поощрения художеств. Конечно, тематика его картин далека от общего направления набравшей силу национальной живописи. Перечислим некоторые из картин, написанных Э.К. Липгартом: "Освобождение Андромеды Персеем" (1869), "Рабочий кабинет отца художника во Флоренции" (1885), "Отправление на суд Париса" (1887), "Притча о мудрых и неразумных девах" (1887), "Отдых натурщицы" (1888). Две картины, из перечисленных выше, приобрел (1887) известный коллекционер русского изобразительного искусства государь Александр III. А это уже "официальное" свидетельство принадлежности Э.К. Липгарта российской живописи.

Литовченко Александр Дмитриевич (1835 — 1890) — русский художник, работал в области исторической живописи и портрета. Учился с 1855 г. в петербургской Академии художеств, откуда в 1863 г. вместе с группой других учеников вышел в знак протеста против академической рутины. Наиболее известные произведения художника: «Иоанн Грозный показывает свои сокровища английскому послу Горсею» (1875 г.), «Царь Алексей Михайлович и Никон» (1886 г.). Исторические картины Литовченко отличаются тщательным воспроизведением предметов обстановки, костюмов и ярким воспроизведением психологических характеристик.

В живопись Иван Кузьмич Макаров пришел по складывающейся семейной традиции. Его отец окончил когда-то знаменитую Арзамасскую школу Ступина и работал учителем рисования в те времена в уездном городе Саранске Пензенской губернии. Затем он организовал собственную рисовальную школу сначала в Саранске, а затем в самой Пензе.

Именно под руководством своего отца юный И. Макаров добился первых успехов в изобразительном деле. В 1845 году он поступает в Академию художеств, где занимается под руководством известного педагога А.Т. Маркова. В 1853 году на средства Общества поощрения художеств и с помощью великой княгини Марии Николаевны И. Макаров едет за границу, где основное время проводит в Риме.

Художник пишет много исполненных достоинств портретов, среди которых особенно выделяются своей грациозностью женские и детские. За серию работ этого жанра по возвращении в Петербург (1855) И.К. Макаров получает звание академика.

Среди его работ, выполненных по частным заказам, много икон и церковных образов. Именно поэтому его учитель по Академии А.Т. Марков пригласил художника участвовать в росписях московского храма Христа Спасителя. В 1885 году большой отклик в художественных и церковных кругах вызвал написанный И.К. Макаровым "Нерукотворный образ Спасителя". Иконотворчество, требующее особого настроя и сосредоточенности, видимо, сказалось и на взглядах художника на известность и публичную деятельность художника: в последние десятилетия своей жизни он практически нигде не выставлялся и не принимал участия в ежегодных академических выставках.

Ганс Макарт (нем. Hans Makart; 28 мая 1840 — 3 октября 1884) — австрийский живописец, блестящий колорист и законодатель мод. представитель академизма. После непродолжительной учебы в Венской академии художеств он переселился в Мюнхен и с 1861 по 1865 годы учился в мастерской пишущего на исторические темы художника Карла фон Пилотю. Выставленные в 1868 году в Мюнхене картины "Moderne Amoretten" ("Современные амуры") и "Die Pest in Florenz" ("Чума во Флоренции"), на которых были изображены неприкрытые женские тела, вызвали общественный скандал, сделавший его известным во всей Европе.

В марте следующего года он был приглашён в качестве официального "государственного художника" в Вену, где создал свое собственное направление в искусстве, получившее название "время Макарта", поскольку диковинный, романтический интерьер его мастерской нашел немало подражателей в среде венской буржуазии.

Макарт писал большие исторические и аллегорические композиции и портреты. При жизни получил широкое признание и имел множество поклонников. Его студия в 1870-80 гг. была центром жизни венского общества.

Контантин Маковский - русский художник, мастер живописи, представитель академического романтизма. Родился в Москве 20 июня (2 июля) 1839 в семье Е.И.Маковского, бухгалтера и художника-любителя, одного из основателей Московского училища живописи, ваяния и зодчества (МУЖВЗ). Брат художника В.Е.Маковского. Учился в МУЖВЗ (1851-1858), где главным его наставником был С.К.Зарянко, а также в Академии художеств (1858-1863). Участник "бунта четырнадцати", был одним из членов-учредителей "Товарищества передвижников" (1870), однако с 1883 выставлял свои вещи самостоятельно, занимая независимую позицию по отношению и к "передвижникам", и к Академии. В 1876 посетил Ближний Восток, в том числе Египет, а также Болгарию и Сербию. Жил и работал в Петербурге, Москве и Париже. Получил академическую золотую медаль за мелодраматическую картину "Агенты Дмитрия Самозванца убивают Бориса Годунова" (1862), решенную всецело в русле романтического историзма. Написал немало сентиментальных типажей и сценок из "народного быта", в том числе популярных "Детей, бегущих от грозы" (1872) и трогательный образ старого слуги "Алексеича" (1882). Проявил себя как крупный мастер портрета ("Оперный певец О.А.Петров", 1870). Однако подлинный авторитет завоевал полотном "Балаганы на Адмиралтейской площади" (1869), где придал жанровой сцене невиданный монументальный размах, представив в этом масленичном гулянье образ "всего Петербурга", как заметил В.В.Стасов, оценивший картину весьма высоко. Здесь проявился его главный дар: талант художника-режиссера, умеющего к тому же придавать своим вещам особый колористический лоск. Этот лоск вкупе с усиливающейся любовью к экзотическим и средневековым, далеким от "злобы дня" темам надолго закрепили за Константином Маковским репутацию "салонного художника", наглядным укором которому как бы служил его более политически ангажированный младший брат.

Маньоки Адам (1673, Сокойя, Венгрия, - 6.8.1757, Дрезден), венгерский живописец.

Адам Маниок был сыном реформатского пастора. Семья художника была очень бедной; поэтому, видимо, его передали на попечение немецкого штабного офицера по фамилии Дюльфер, который обещал позаботиться о получении Адамом образования. Затем Адам Маниок учился в Люнебурге и Гамбурге, а позднее — в Ганновере (у художника Андреаса Шайца) и в Париже (у художника Никола де Ларжильера). 1707 - 1711 - Работал при дворе Ференца II Ракоци и других европейских монархов.

1724 - поселился в Венгрии

1732 - переехал в Германию. Последние годы жизни он провёл в Дрездене, при дворе курфюрста Фридриха Августа.

Маниок работал почти исключительно в жанре портрета, где он разработал свой собственный, индивидуальный стиль, основанный на французских и немецких образцах. В настоящее время его считают одним из крупнейших художников, работавших в Центральной Европе в 1-й половине XVIII века. В своём творчестве (автопортрет, 1710-е годы, Венгерская национальная галерея, Будапешт; портрет Ференца II Ракоци, портрет Пала Радаи, 1720-е годы, библиотека Радаи, Будапешт), используя образную систему парадного портрета барокко, заложил основы национальной портретной живописи.

Francois Martin-Kavel французский художник, о жизни которого имеются очень скудные сведения.

Родился и вырос в состоятельной семье. Унаследовав состояние отца, он в течение всей последующей жизни не нуждался материально, занимаясь любимым делом - живописью.

С исключительным мастерством писал женские образы на фоне различных пейзажей и был одним из самых популярных французских живописцев своего времени. Искусство его неяркое, камерное, но от этого ничуть не хуже остальных прославленных мастеров его времени. Он регулярно выставлялся в «Salon des Artistes Francais», а в 1881 году был награждён медалью. При жизни его работы активно покупали, особенно полюбили его богатые американцы.

Умер художник в 1931 году.

Быть одним из ближайших учеников К.П. Брюллова и не писать красивых картин, видимо, невозможно. Именно красота в итальянском стиле отличает большинство картин живописца, прошедшего хорошую художественную выучку у А.Г. Венецианова (1832) и в Академии художеств у "Великого Карла" (1836—1839). К окончанию Академии Аполлон Мокрицкий — умелый портретист, который получает много заказов, зарабатывая не только на жизнь, но и на поездку в Италию (1841—1849). Его итальянские портреты и пейзажи охотно раскупаются, становясь со временем желанными экспонатами многих музеев России. По возвращении из Италии А.Н. Мокрицкий пишет "Портрет преосвященного Никанора, митрополита Новгородского и Санкт-Петербургского" (1849), за который получает звание академика. С 1851 года художник работает преподавателем Московского училища живописи и ваяния. Его преподавательская деятельность исключительно успешна. Его ученики — В.Г. Перов, И.И. Шишкин, И.М. Прянишников — стали первыми живописцами России. Его курс эстетики, читаемый в двух училищах Москвы (живописи и ваяния и Строгановском), посещают многие живописцы и любители. Наконец, его дневники и воспоминания о А. Венецианове и его школе, о К. Брюллове и поныне представляют исключительный интерес

Альберт Джозеф Мур (1841-1893) был одним из пяти сыновей английского художника Уильяма Мура; все пятеро стали художниками. Его работы не имеют сюжета. Автора интересуют, прежде всего, цветовое и пластическое решения. В начале 1860-х гг. А. Дж. Мур предпринял поездку в Рим, где зародился го интерес к классической скульптуре, получивший оригинальное преломление в его картинах. Художник хорошо был знаком с коллекцией античных статуй Британского музея.

Альфонс Муха родился в Иванчице (Моравия) 24 июля 1860. Получил первичное художественное образование в Брно. В 1880 работал в Вене сотрудником фирмы театральных декораций. Состоял придворным художником графа П.Куэна (1881–1885) и исполнил декоративное оформление части интерьеров его замка в Грушовани (Моравия). Затем учился в Академии художеств в Мюнхене (1885–1887) и академии Р.Жюльена в Париже. В 1887–1922 жил в основном в Париже. Несколько раз (начиная с 1903) посетил США, где работал как живописец и педагог. Выдвинулся своими афишами для спектаклей театра «Ренессанс», парижского театра С.Бернар (Жисмонда, 1894; Дама с камелиями А.Дюма-сына, 1896; Лорензаччо А.де Мюссе, 1896; Медея по мотивам Еврипида, 1898). Частично выступал и как дизайнер этих постановок: по его эскизам создавались не только платья, но и сценические ювелирные украшения. Вошел с этой поры в число ведущих художников французской рекламы; его композиции печатались в журналах либо в виде плакатов – с неизменной фигурой или головой томной дамы, погруженной в орнаментально-пестрый мир роскоши и неги. В том же «стиле Мухи» создавались и красочные графические серии (Времена года, 1896; Цветы, 1897; Месяцы, 1899; Звезды, 1902; все работы – акварель, тушь, перо), которые до сих пор тиражируются в виде арт-постеров. Собрал свои дизайнерские проекты (панно, витражей, ковров, мебели) в альбоме Декоративные документы (1901). Работал как книжный иллюстратор, исполнил декоративную живопись павильона Боснии и Герцеговины на Всемирной выставке в Париже (1900; не сохранилась) и Дома собраний в Праге (1910), нарисовал эскизы первых чехословацких почтовых марок и банкнот (1918). В 1913–1930 написал большой цикл Славянская эпопея (музей замка Моравски Крумлов); традиционно-академическая манера соединилась в этих полотнах, посвященных начальным главам истории чехов, поляков, русских и других народов Восточной Европы, с плоскостной ритмикой модерна. После Первой мировой войны перебрался на родину. Умер Альфонс Муха в Праге 14 июля 1939.

Жан-Марк Натье (1685–1766) родился в семье художников: его отец Марк был портретистом, мать Мари Куртюа писала миниатюры, а брат Жан-Батист занимался созданием картин по историческим мотивам. Первые уроки живописи Жан-Марк Натье получил от своего отца, затем посещал курсы рисования в Королевской Академии. В пятнадцатилетнем возрасте Натье был удостоен первого художественного приза Парижской Академии. Жан-Марк Натье писал репродукции картин Рубенса для Люксембургской картинной галереи. В 1717 году Натье отправился в путешествие в Голландию, встретился в Амстердаме с Петром I и написал портреты царя и российской императрицы Екатерины. Петр предложил Натье покинуть Францию и уехать с ним в Россию, но, ссылаясь на свою любовь к родине, художник отклонил его предложение. Жан-Марк Натье провёл практически всю свою жизнь в Париже. По заказу Петра художником были написаны картины «Битва при Лесной», отобразившие два знаменательных события Северной войны. Сам император этих полотен не увидел, картины были привезены в Россию уже после его смерти. Жан-Марк Натье является создателем нового стиля живописи — исторического портрета Картины Натье обожествляют и идеализируют образ женщины, которых мастер изображал на своих в холстах обличёнными в одеяния мифических персонажей. Картины Жан-Марка Натье хранятся в Лувре, Версале, Эрмитаже, Пушкинском музее Москвы, Дрезденской картинной галерее и в других многочисленных художественных музеях мира. Многие картины художника находятся в частных коллекциях.

Василий Григорьевич Нестеренко - народный художник России, член-корреспондент Российской академии художеств - родился в 1967 году в Павлограде, на Украине.

В 1980 году после подготовки в мастерской Народного художника России Н. С. Присекина поступил в Московскую среднюю художественную школу при Московском государственном академическом художественном институте им. В. И. Сурикова на отделение живописи. Школу окончил с золотой медалью и поступил в 1985 году в Московский государственный академический художественный институт им. В. И. Сурикова на факультет живописи. Сразу же был призван в ряды Советской Армии, после которой продолжил образование в мастерской Народного художника СССР, академика Т. Т. Салахова. Он прошел полную академическую школу в Советском Союзе и пополнил художественное образование в Америке.

Одна из работ В. Нестеренко — портрет выдающейся русской певицы Ирины Архиповой находится в коллекции Третьяковской галереи.

Большая серия работ создана мастером во время паломнических поездок в Иерусалим и в Грецию — на святую гору Афон.

Василий Нестеренко по благословению патриарха Алексия Второго внес весомый творческий вклад в возрождение храма Христа Спасителя. Уникальным фактом в истории этой эпопеи стало то, что художник в одиночку, без бригады помощников, воссоздал четыре колоссальные росписи: «Воскресение Христово» и «Апостол Матфей» на северо-запад ном пилоне храма (каждая высотой в 23 метра), а также «Крещение Господне» и «Вход Господень в Иерусалим» (каждая по 15,5 метра). Наряду с этим В. Нестеренко стал автором воссоздания четырех многофигурных композиций икон Богородичного цикла и Плащаницы, написал монументальные картины на евангельские сюжеты для Патриаршей трапезной храма.

Картины Василия Нестеренко напоены свободой, воздухом, светом. Они жизнеутверждающие, открытые. Каждая из них - широко распахнутая дверь в мир, полный добра, красоты и романтики. Классическая манера, традиции русской художественной школы - вот, что особенно привлекает в мастерстве Нестеренко. Его работы уже находятся в крупнейших российских музеях, в т.ч. в Третьяковской галерее.

В 2002 году, по решению Правительства Москвы, в одном из особняков на Старом Арбате была открыта постоянно действующая Государственная картинная галерея Василия Нестеренко.

Тимофей Андреевич Нефф (при рождении Тимолеон Карл фон Нефф, нем. Carl Timoleon von Neff; 2 (14) октября 1805, Пюсси, Эстляндская губерния — 24 декабря 1876 (5 января 1877), Санкт-Петербург) — исторический и портретный живописец. Родом из Эстляндии. Учился в Дрезденской Академии Художеств. Прибыв в 1826 году в Петербург, вскоре приобрел известность своими портретами и другими работами. В 1837 году путешествовал по России для ознакомления с народными типами и бытом. В 1839 году исполнил живописные работы для малой церкви Зимнего дворца, в том числе образ «Тайной Вечери». За исполнение образов для Исаакиевского собора получил звание профессора. Преподавал в Академии Художеств; состоял хранителем картинной галереи Эрмитажа. Был возведен во дворянство (1844, диплом 1860), пожалован рядом царских орденов и подарков. С 1865 года — член Совета Академии Художеств. Похоронен на Смоленском лютеранском кладбище.